Show & Tell:  stasera al Barbican e LIVE Ustream la prima discussione pubblica di OMA Partners

Rem Koolhaas, Victor van der Chijs, Reinier de Graaf, Ellen van Loon, Shohei Shigematsu, Iyad Alsaka e David Gianotten discuteranno i loro ruoli all’interno di OMA, e come le nuove idee stanno trasformando i 36 anni di pratica. La discussione sarà presieduta da Chris Dercon, direttore della Tate Modern.

Show & Tell è il primo di una serie di conferenze tenute dai partner di OMA, che continua con David Gianotten, Partner in Charge di OMA Asia, discutendo sulla velocità in architettura. Questa conferenza si terrà presso il Cinema Barbican 2, Londra questo Giovedi, 27 ottobre, alle 19:30.

IL VIDEO DELLA CONFERENZA

Video streaming by Ustream

Blurring boundaries – Patricia Urquiola

Entusiasmante Patricia Urquiola al Cersaie 2011.

La Urquiola, ospite del primo evento della seconda giornata del Cersaie, di fronte ad un pubblico numeroso ed attento, apre la conferenza “Confini culturali tra integrazione, sovrapposizione e rispetto identitario”. Si parte dagli esordi: la designer inizia con delle immagini artistiche di David Byrne e Richard Hamilton, perché figlia degli anni ’80 e del Post-Moderno; successivamente grazie alla conoscenza di Alvaro Siza e poi di Castiglioni, si stacca definitivamente dal Post-moderno ed entra più in contatto con gli elementi caratterizzanti del Moderno della prima metà del novecento, reinterpretandoli e ricontestualizzandoli.
Con grande entusiasmo la Urquiola espone una serie di fotografie scattate da lei e che riguardano particolari della sua vita, dei suoi viaggi, del il rapporto con i propri clienti; sono immagini scattate in ogni angolo del mondo ed in situazioni e contesti molto diversi tra loro, ma che trasmettono tutta la poesia e la passione che l’architetto ripone nel suo lavoro.
Un elemento importante che ritorna spesso nel dibattito sono le “mani”;  con esse riusciamo a plasmare, toccare e modificare gli oggetti e quindi progettare. Sono mani che tagliano, cuciono, rappezzano, espongono, saldano, ecc; “noi designer siamo ancora degli artigiani, perché solo dopo di noi inizia il processo di industrializzazione”.
Altro tema importante è il Tempo, cioè come progettare oggetti che siano duraturi e che diano emotività nel corso degli anni, capaci di invecchiare e di suscitare emozioni, di passare attraverso piu` generazioni ritrovando ogni volta un ruolo nello spazio in cui sono inseriti.
Ogni progetto che la Urquila espone, dalle sedute per Moroso alle diverse architetture realizzate o ai tappeti in patchwork, nasconde una storia, intima, bella e sognante. Architetture legate al luogo con una forte interazione con il contesto; architetture in cui spesso gli arredi sono realizzati con materiali recuperati in sito o che traggono ispirazione dal contesto stesso.
L’architetto spagnolo racconta della difficolta’ degli esordi,  fin da quando aprì il suo studio dieci anni fa, della paura di affrontare le nuove sfide che si ponevano innanzi e di come tutt’oggi, ad ogni nuova commissione,  lei si ponga in atteggiamento molto critico nei suoi confronti e nelle sue capacita`; questo approccio ha fatto si che diventasse “la donna più corteggiata dall’industria del design mondiale”. Tutto questo deve incoraggiare molto i giovani designer che si trovano oggi di fronte ad un mercato assai difficile ed esigente, un messaggio che la Urquiola vuole trasmettere ai giovani presenti in sala.
La conferenza  e` stata l’occasione per assistere ad una splendida lezione di vita, da parte di un genio creativo dotato di grande capacità emotiva e di brillante spontaneità: Patricia Urquilola e` una professionista che fa della praticità e dell’umiltà elementi fondamentali per il quotidiano.

Davide Di Virgilio

Biografia

Nata a Oviedo, nelle Asturie, frequenta la facoltà di architettura al Politecnico di Madrid e, successivamente, il Politecnico di Milano, dove si laurea nel 1989 con Achille Castiglioni. Da allora Patricia Urquiola vive e lavora a Milano, dove si forma professionalmente a partire dagli insegnamenti di Bruno Munari, tra i padri della scuola milanese. Dal 1990 al 1992 è assistente di Eugenio Bettinelli e di Achille Castiglioni al corso di design industriale del Politecnico di Milano e all’E.N.S.C.I. di Parigi. Nel 1991 inizia a lavorare per l’ufficio Sviluppo del prodotto di Maddalena De Padova, diventandone presto la responsabile. Qui incontra Vico Magistretti, con cui più tardi collaborerà. Nel 1998 inizia a lavorare con Moroso, per il quale progetta una nuova concezione del “sedersi”
con componenti interscambiabili per un ambiente di soggiorno veramente modificabile. Con i suoi prodotti, tende a creare ambienti che infondano una sensazione di intimità e comfort e invitino allo
stare insieme. Nel 2001 apre a Milano un proprio studio di progettazione dove si occupa di design, allestimenti e architettura. Come designer collabora con decine di aziende, tra cui Agape, Alessi, B&B Italia, Driade, Flos, Foscarini, Kartell, Molteni, Rosenthal. Alcuni dei suoi prodotti sono esposti nelle collezioni permanenti del MoMA di New York e di altri musei. Tra i suoi progetti più recenti: il
Mandarin Oriental Hotel a Barcellona, il W Resort & Spa a Vieques (Porto Rico), i negozi di Gianvito Rossi, gli showroom di Flos e Moroso a Londra e l’allestimento generale del Padiglione Spadolini a Pitti Uomo 2010, a Firenze.
È stata premiata Designer of the Year dalle riviste Wallpaper e Elle Decor, e Designer of the Decennium 2000-2010 dalle riviste tedesche Home e Häuser. Ha ricevuto, inoltre, il Red Dot Award e il Chicago Athenaeum Good Design Awards. Mostre personali sul suo lavoro sono state esposte nei musei di tutto il mondo.

Davide Di Virgilio

Aperte le iscrizione al DawnTown 2011

DawnTown è l’annuale concorso  di idee internazionale per la Downtown di Miami.

La mission del concorso è di portare architettura creativa alla zona Downtown di Miami, e per aiutare raccontare l’emozionante storia urbana del centro di Miami nelmondo. Quest’anno si è deciso di ampliare l’area che incorpora un programma di progettazione entro i limiti di tutta la città di Miami. Le seguenti persone hanno accettato di partecipare alla giuria del Concorso: Hilario Candela, Walter Meyer, Jorge Hernandez, Michele Oka Doner, Scarpa Lawrence, e Frank Sanchis. I premi saranno i seguenti: primo premio 5.000 dollari, secondo premio 2.500 dollari, terzo premio 1.000 dollari, il quarto premio da $ 500; quinto premio 250 dollari; Ci saranno anche 5 menzioni d’onore. Per maggiori info visita dawntown.org

Incontro con Karim Rashid al Cersaie

“people meet in architecture”: la biennale degli specchi

Il 26 agosto, a Venezia, si è aperta la dodicesima Biennale d’Architettura, con il titolo di “people meet in architecture”, curata da Kazuyo Sejima.
Il titolo, come dice la stessa Sejima, è interpretabile in più modi. Forse questo il motivo per cui è complicato trovare un filo conduttore. Ognuno dei 46 partecipanti risponde a proprio modo all’assunto e camminando nei sempre suggestivi  spazi dell’arsenale e nei padiglioni dei giardini, ci  appaiono spesso installazioni d’arte piuttosto che di architettura. Ammessa l’utilità di una mostra d’architettura che, come scrive la curatrice giapponese, è un concetto provocatorio, dato che è impossibile portare in mostra gli edifici veri e propri,  questa mostra, continua Sejima, vorrebbe essere, “un’esperienza di possibilità architettoniche, che riguardino un’architettura creata da diversi approcci, capace di esprimere nuovi modi di vita”. Troppe allora le possibilità in una mostra che unisce tante voci diverse con  pochi pensieri su schemi di città o parti di essa e molte installazioni concettuali. Si contrappongono allora esposizioni come quella della repubblica di Macedonia, oppure quella della Malesia, ad opere sicuramente più suggestive come quella di  Janet Cardiff, The Forty Part Motet in cui quaranta voci registrate separatamente vengono riprodotte da quaranta altoparlanti collocati strategicamente nello spazio riproducendo una composizione del 1500, o prima fra tutte l’opera dell’”artist star” Olafur Eliasson: tempo scandito da luci stroboscopiche e getti d’acqua che sbattono sul suolo a significare il tempo stesso come spazio compreso tra due secondi. Opera quest’ultima sicuramente emozionale che rende tarda arte concettuale l’installazione di Junya.Ishigami+associates. Il giovane architetto giapponese è stato premiato con il
Leone d’Oro per il miglior progetto della Mostra. Si è quindi deciso di riconoscere come migliore un lavoro che, come recita la motivazione del premio, spinge all’estremo i limiti della materialità, visibilità, tettonica, leggerezza e, in ultimo, dell’architettura stessa. Fortunatamente, ma al di fuori del contesto biennale, Ishigami ha già dimostrato la sua raffinatezza e leggerezza nell’architettura, quella però costruita, nel Kanagawa Institute of Technology.
La presenza Italiana nella mostra è limitata a pochi architetti tra cui Aldo Cibic che espone diversi progetti nel Padiglione Italia.
Pratica, lineare e di facile lettura l’organizzazione di “Ailati”, tema del Padiglione curato da Luca Molinari.  A domande immediate si cercano risposte architettoniche coraggiose e come dice lo stesso Molinari “di resistenza in un mare di mediocrità diffusa”.
Spicca il racconto semplice e veloce di un’architettura che deve tornare ad occuparsi anche della vita sociale e civile della società., in cui irrompe per un attimo la realtà delle città italiane e di un paesaggio sfigurato. Ben vengano quindi questioni e ragionamenti sul rapporto tra mafia ed architettura, non affrontato in termini collusivi , ma in termini di possibilità progettuali.
E ben venga anche la lettura così immediata ed efficiente, forse poco concettuale e colta, ma in grado di arrivare a molti, anche a quelli che il curatore chiama in senso lato “analfabeti”.
Una voce un pò fuori dal coro quella di Molinari, fuori da una biennale criptica e al limite dell’architettura. Una biennale in cui l’oggetto specchio è presente nelle installazioni di molti partecipanti, dal padiglione Russo a quello Tedesco, in cui è addirittura un’intera stanza a rispecchiare se stessa e gli spettatori, o ancora il padiglione cecoslovacco e il progetto creato da architecten de vylder vinck taillieu nell’arsenale. Ci si chiede se lo specchio serva ad ingrandire, a rendere più ricca una biennale forse un po’ stitica d’architettura, oppure uno specchio che sia utile ad attrarre allodole in cerca di un linguaggio o ancora uno specchio che rifletta la realtà architettonica contemporanea.

Roberta Di Loreto

12^ Biennale di Architettura: Padiglione Italia

AILATI. RIFLESSIONI DAL FUTURO

LA MOSTRA

AILATI. Riflessi dal futuro è un gioco di specchi con la parola Italia per un percorso che vuole essere una nuova lettura dell’architettura contemporanea vista attraverso uno sguardo laterale sulle cose, sulla realtà, sui progetti – ailati, appunto – per recepire i riflessi dal futuro che la realtà ci manda quotidianamente e che sono la risorsa su cui l’architettura italiana può costruire nuove forme di identità e ricerca.

AILATI. Riflessi dal futuro guarda contemporaneamente al recente passato, al presente che preme e al prossimo futuro della nostra architettura come ad un unico tempo attraverso un sistema espositivo complesso, progettato dagli studi Salottobuono e Francesco Librizzi, che si sviluppa nei 1.800 mq del nuovo Padiglione affacciato sul Giardino delle Vergini. La parte grafica-didascalica della mostra, a cura dei Tankboys, è impostata per rendere la mostra comprensibile e usufruibile anche da un pubblico non specializzato, che abbia voglia di scoprire l’architettura italiana.

AILATI. Riflessi dal futuro è un percorso in tre sezioni.

“Amnesia nel presente. Italia 1990-2010” è un primo, necessario bilancio sull’architettura italiana in questi ultimi vent’anni con lo scopo di offrire una comprensione del nostro presente più attenta e consapevole.

“Laboratorio Italia” è la sezione centrale della mostra dedicata al presente con opere costruite in questi ultimi anni per dare uno sguardo concreto su quello che di qualità si costruisce in Italia e sui tipi di sperimentazioni che si portano avanti. Le opere sono suddivise in 10 aree tematiche emergenti per un Paese in cerca di nuove identità e soluzioni: Progettare solidale, Abitare sotto i 1000 euro al mq, Cosa fare dei beni sequestrati alle mafie, Emergenza paesaggio, Spazi per comunità, Nuovi spazi pubblici, Ripensare città, Archetipo/prototipo, Work in progress, Innesti.

“Italia 2050” costruisce un dialogo con Wired, l’autorevole periodico italiano dedicato alle grandi idee e alle tecnologie che cambiano il mondo, chiamando 14 tra scienziati, pensatori, film-maker “produttori” di futuro ad indicare le priorità, le parole chiave per il nostro Paese nei prossimi decenni e altrettanti progettisti a creare visioni esclusive che interpretino il tema.

All’interno della sezione Italia2050 è localizzato lo spazio conferenze e workshop, un luogo di riflessione e dibattito che trasforma il Padiglione Italia, per i tre mesi della Biennale, nella “Casa dell’Architettura italiana” ospitando quasi ogni domenica incontri, e dibattiti sulle realtà più vitali e trasversali del nostro Paese.

Luca Molinari all’inaugurazione del Padiglione Italia

CREDITS

Direzione PaBAAC

Commissario Direttore generale per il paesaggio, le belle arti, l’architettura e l’arte contemporanee. PaBAAC Mario Lolli Ghetti

Direttore architettura e arte contemporanee Maria Grazia Bellisario

Coordinamento e organizzazione Alessandra Fassio

Comunicazione e stampa Alessandra Pivetti

Servizi fotografici Roberto Galasso

Segreteria Flavia Carucci Giorgia Magliocchi Chiara Sbocchia

Collaborazioni Gaia Gallotta Michele Colavito

Consulenze Renato Costa, direttore tutela del patrimonio architettonico Angela Di Ciommo, direttore affari generali, programmazione, bilancio e personale

Segreteria di Direzione Fiorenza Amicarelli, responsabile

Ailati. Riflessi dal futuro

Curatore Luca Molinari

Progetto allestimento Francesco Librizzi Studio e Salottobuono con la collaborazione Arian Brajcovic e Annapaola Busnardo

Allestimento grafico e immagine coordinata Tankboys

Progetto della luce Mario Nanni

Coordinamento scientifico Via Piranesi srl

Coordinamento produzione Luca Poncellini

Coordinamento, comunicazione e partners Rodex Srl

Ufficio stampa Otto Idee e Soluzioni di Comunicazione Globale srl

Media partner www.ymag.it

Co-curatori sezioni mostra:

- Amnesia nel presente. Italia 1990—2010 Maria Vittoria Capitanucci Collaboratori: Maria Giulia

Mazzari, Alessia Mendichi

- Laboratorio Italia: Michele Calzavara e Angelica Di Virgilio Collaboratori: Maria Giulia Mazzari

- Italia 2050: Wired e Simona Galateo

Baratta e Sejima danno il via alla 12^ Biennale di Architettura

LEARNING FROM DENISE SCOTT BROWN

Denise Scott Brown, una tra le voci più influenti dell’architettura del ventesimo secolo, colei che, insieme al socio e marito Robert Venturi, ha influenzato lo sguardo di intere generazioni di architetti sulla città contemporanea, ha ancora molto da insegnare.
Lo scorso 23 e 24 giugno, invitata presso la Scuola di Dottorato Iuav, non si è limitata a fare una lezione ex cathedra, così come ci si sarebbe aspettato, ma, con un racconto denso e a tratti anche divertente, ci ha trascinati, quasi magicamente, nella sua vita. Una vita senza dubbio eccezionale, in cui formazione, ricerca professionale e vicende private si intrecciano fino a confondersi. Instancabile, Denise (l’uso del nome proprio non sembri una mancanza di rispetto, ma al contrario una prova dell’empatia che lei riesce a trasmettere) ripercorre la cultura del proprio tempo selezionandola attraverso i suoi ricordi privati che, in realtà rappresentano una parte importante di quella cultura post- moderna di cui lei e Venturi sono stati i pionieri.
Le origini africane, gli studi a Londra, i lunghi viaggi, l’arrivo in America, ma anche la recente vicenda della Lieb house (destinata all’abbattimento e salvata con eroica determinazione), non sono soltanto esperienze di vita, ma tasselli di un percorso di formazione continuo le cui tracce si ritrovano nel pensiero di un architetto che ha fatto della ricerca una costante del proprio lavoro.
“Apprendere dal paesaggio è un modo per l’architetto di essere rivoluzionario” con queste parole, mutuate dall’introduzione di Learning from Las Vegas, Francesco Dal Co ha presentato la lectio magistralis della Scott Brown e, in queste parole si racchiude, forse, tutto il senso della sua presenza alla scuola di Dottorato Iuav. La lectio, infatti, è stata soltanto il momento centrale di un dialogo durato due giorni con studenti, dottorandi e ricercatori in cui Denise Scott Brown ha dato prova di una generosità e una curiosità intellettuale che costituiscono di per sé un grande insegnamento. Passione, tenacia, ma anche metodo e rigore scientifico si ritrovano costantemente nelle riflessioni dell’architetto statunitense che ha saputo rinunciare al monologo annullando qualsiasi distanza (culturale, anagrafica, intellettuale) tra lei e i suoi interlocutori. Una figura, quella della Scott Brown, sicuramente non cristallizzata nel suo passato, seppur importante, ma alla ricerca di un confronto sempre aperto e sincero da cui far emergere non certezze ma possibili chiavi di lettura per interpretare il presente e affrontare con consapevolezza il futuro . Leggere il paesaggio diventa un atto rivoluzionario nella misura in cui, attraverso la costruzione di un metodo, riusciamo, a interpretarlo ma anche e soprattutto a imparare da esso. La sua complessità va decodificata e analizzata a partire da paradigmi interpretativi che ne sappiano cogliere il significato oltre che la fenomenologia, che portino all’elaborazione di strategie più che di modelli di riferimento.
A quasi quarant’anni dalla pubblicazione di Learning From Las Vegas, Denise Scott Brown ci lascia in eredità un metodo di ricerca, ma ci lancia anche una sfida: se “Las Vegas” è stata al contempo la chiave di lettura della crisi dell’architettura moderna e il paradigma per interpretare la città post-moderna, quali sono le strategie cui dobbiamo riferirci per affrontare l’attuale crisi del modello insediativo della città contemporanea?
È la stessa Denise Scott Brown ad ammettere che siamo ancora lontani dalla(e) risposta(e), ma è lei stessa ad insegnarci che non possiamo ignorare la necessità di cercarle.

Chiara Rizzi

Gli amici della high line alla festa dell’architettura di roma

Lo scorso 10 giugno la Festa dell’Architettura di Roma ha ospitato ben quattro nomi altisonanti dell’architettura contemporanea che, ad un ritmo quasi frenetico, si sono succeduti sul palco della Sala Petrassi dell’Auditorium Parco della Musica.
Eduardo Soto de Moura, James Corner, Bernard Tschumi e Massimiliano Fuksas, questi gli architetti a cui il curatore Francesco Garofalo ha affidato l’importante ruolo di approfondire alcuni temi centrali, i “NODI” (come suggeriva il titolo della sessione)  della trasformazione della città contemporanea. Un ruolo impegnativo, senza dubbio, che però si è esaurito nella presentazione di una carrellata di progetti più o meno noti. Unica eccezione la presentazione congiunta di James Corner, il maggior paesaggista  americano, e di Robert Hammond, giovane imprenditore newyorkese, direttore esecutivo degli “amici della High Line”.
“Il tempo è il soggetto principale del progetto”. Questo lo spunto di riflessione che Corner e Hammond lasciano a coloro che si occupano a vario titolo della trasformazione della città contemporanea. Essa, infatti,  non è il risultato della giustapposizione di progetti, seppur di altissimo profilo, ma si costruisce attraverso processi che riescano a far convergere  conoscenze tecniche, interessi economici, volontà politiche e consenso sociale.
Entrambi i progetti presentati, il Parco di Fresh Kills e il giardino pensile della High Line, assumono queste riflessioni come dati di partenza e si configurano  essi stessi come processo. “In questo senso la vera  sfida – dice Corner -  è comunicare che il valore di una trasformazione non è nella sua configurazione finale, ma esiste già nelle sue fasi di transizione. Il paesaggio intermedio ha una sua qualità intrinseca che il progetto deve essere in grado di valorizzare. Il progetto di paesaggio necessita di una strategia semplice, ma in grado di evolvere e diventare complessa nel tempo.”
Per la riconversione della discarica di Fresh Kills, ad esempio, la definizione del programma  ha avuto un ruolo fondamentale. Si tratta di qualcosa di diverso dal progetto di un parco, esso rappresenta piuttosto l’applicazione di un metodo a partire dal quale il parco può svilupparsi. La comunicazione assume un ruolo fondamentale sin dall’attuazione delle prime fasi di questo programma, e in un certo senso ne rappresenta la fase preliminare, attraverso la quale catalizzare quel consenso sociale che determina il successo di un progetto di trasformazione.
Sul ruolo fondamentale della comunicazione insiste anche R. Hammond nel raccontare le vicende che hanno reso possibile la trasformazione della “linea della vita” (originariamente la High Line era chiamata così perché serviva per il trasporto delle derrate alimentari) in un vero e proprio spazio sociale. Affinché una trasformazione venga riconosciuta come parte di una città e metabolizzata nel suo ciclo vitale, ci racconta Hammond, è necessario che essa diventi allo stesso tempo un’opportunità politica, sociale ed economica. Spesso quest’opportunità va costruita intorno ad un’idea iniziale,  la cui  comunicazione è alla base del progetto. Il logo intorno al quale si è costruito il processo di rigenerazione dell’High Line, ad esempio, è stato un vero e proprio elemento di aggregazione, quasi un punto di riferimento.
L’intera vicenda legata alla riconversione dell’High Line è emblematica. Nel 1980 viene dismessa, nel 1999 il comune di New York decide di abbatterla e, sarebbe andata davvero così se un comitato , “Friends of the High Line”, non avesse creduto in un’idea ritenta da molti poco realistica ed economicamente svantaggiosa. Per fortuna le cose sono andate diversamente. Il progetto di J. Corner, vincitore di un concorso internazionale nel 2004 e ormai quasi completato ( l’ultimo tratto  sarà inaugurato entro il prossimo anno), ha trasformato un relitto post-industriale in un paesaggio inedito.  In esso la  città svela se stessa attraverso punti di vista insoliti e  utilizzando tracce e materiali esistenti .
Si tratta della messa a punto di un “dispositivo temporale”, come lo definisce lo stesso autore, che ridefinisce la complessa identità di un luogo che, prima infrastruttura, poi relitto, si trasforma in un vero e proprio generatore di paesaggio.
Le scelte progettuali sono poche ma essenziali: conservare la struttura esistente; considerare l’High Line come una successione di sezioni sempre diverse tra loro; trasformare le criticità in occasioni progettuali.

Il risultato è vincente, lo dimostrano gli oltre 40 progetti realizzati, in corso o in fase di progettazione lungo i circa due chilometri del parco; ne sono testimonianza  i numerosi eventi che lungo la High Line vengono organizzati; lo  confermano i 750 milioni di dollari di entrate a fronte di un investimento iniziale 5 volte minore.

Se, come affermato nell’introduzione al programma della Festa dell’Architettura, osserviamo Roma (e non solo) a partire da quanto raccontato da Hammond e Corner il confronto appare quanto mai stridente.

Chiara Rizzi

Index Urbis, festa dell’architettura di Roma

Con la prima edizione di Index Urbis, la festa dell’architettura di Roma, dal 9 al 12 giugno, i luoghi più significativi della città hanno ospitato eventi e conferenze tenute da vari architetti di fama internazionale. La manifestazione, curata dall’architetto Francesco Garofalo, si concentra sui “nodi” della città contemporanea e si affida agli “sguardi” dei protagonisti della creatività.
E’ Álvaro Siza Vieira l’ospite d’onore che da il via alla manifestazione capitolina con una conferenza sulla museografia presso la casa dell’architettura. Mercoledi 9 giugno, l’edificio di piazza Manfredo Fanti, gremito di studenti e professionisti, è stato il teatro di un intenso momento di architettura, in cui il maestro portoghese attraverso le opere chiave della sua esperienza ha raccontato il tema del museo. Dal centro di arte galiziana di Santiago de Compostela dei primi anni novanta, passando per il museo di  Serralves a Porto, fino al museo della Fundação Iberê Camargo a Porto Alegre, Brasile. Il tema centrale della conferenza è il museo da poco inaugurato oltreoceano, autentico capolavoro e opera matura di un Siza che sembra, a più di settant’anni, attraversare una ulteriore fase della sua carriera di architetto.
Nella seconda giornata, gli eventi ufficiali della festa dell’architettura si spostano presso l’auditorium parco della musica; in programma le lezioni di Eduardo Souto de Moura, James Corner, Bernard Tschumi e Massimiliano Fuksas.
Dalla conferenza di Souto de Moura emerge il pragmatismo della sua architettura, che parte sempre come una risposta chiara ad un dato problema. Nel progetto della metro di Porto si confronta con le problematiche ingegneristiche di una moderna stazione della metro e con il tema della standardizzazione degli elementi, indispensabile per ridurre i costi di un’operazione di questa portata. Qui, la complessità tecnica, costruttiva e normativa si traduce in spazialità chiare ed eleganti. Souto accetta la sfida di progettare con tanti vincoli e fa di necessità virtù; dice a proposito: ”Progettare una stazione della metropolitana è come costruire un tempio di cui è già stato stabilito lo stile: il dorico. Non si può scegliere, né il corinzio, né lo ionico, ma ciò non toglie che si possa, con quegli elementi, fare una buona architettura; i greci ci hanno lasciato numerosi esempi.”
James Corner, introdotto da Robert Hammod (giovane uomo d’affari newyorkese che ha promosso il progetto di recupero della vecchia linea della highline di Manhattan), spiega i due grandi interventi che lo vedono coinvolto nella grande mela:  il parco nell’area dell’ex discarica di fresh kills e il già citato progetto di recupero della soprelevata, progettata in collaborazione con Diller e Scofidio.
Tchumi fa una lunga carrellata dei progetti della sua carriera, dal parco della Villette fino alla sua ultima realizzazione: il museo dell’Acropoli ad Atene. L’architetto francese con quest’ultima opera, prova a dimostrare come vecchio e nuovo possano coesistere e come questa giustapposizione si possa trasformare in un dialogo che dia più valore a entrambe le componenti.

Federico Archidiacono